ALUCINANTES ARTE ANAMÓRFICO DE SERGIO ODEITH

Sergio Odeith nació en 1976, en Damaia (Portugal).  

Sus primeras experiencias fueron esbozado en las paredes de la calle y las vías del tren y así la pasión que siempre había mostrado por el dibujo tenía un propósito recién descubierto y comenzó a evolucionar. No mucho tiempo después, llegó la oportunidad de pintar murales a gran escala en Damaia, Carcavelos y en muchos barrios de viviendas sociales.

Desde el principio, el artista mostró un interés especial en la perspectiva y el sombreado, en un estilo oscuro, que más tarde se llamó "3D sombría", donde las composiciones, paisajes o retratos, mensajes y homenajes, se destacaron por su realismo y técnica.

Odeith fue, en 2005, reconocido internacionalmente por sus incursiones pioneras en el arte anamórficocampo, destacándose por sus composiciones creadas en perspectiva y pintadas en diferentes superficies, tales como 90º esquinas o desde la pared hasta el suelo, creando un efecto de ilusión óptica.

En 2008, decidió cerrar su estudio de tatuajes (que abrió en 1999) y se trasladó a Londres.

Actualmente, de vuelta en Lisboa, que asumió la pintura como su principal actividad, habiendo creado murales a gran escala para las principales empresas nacionales e internacionales, como el Shell Londres, Kingsmill, la Compañía Coca-Cola, Estradas de Portugal, Samsung, Sport Lisboa e Benfica ( club de fútbol) y varios ayuntamientos portugueses como Câmara Municipal de Lisboa y la Câmara Municipal de Oeiras, entre otros.

En medio de todos los eventos que participó, destacamos: Reunión de estilos (Alemanha), Museo de Arte Público (Louisiana, EUA), MuBE - Museo Brasileño de Escultura (Sao Paulo, Brasil), 1ª Bienal del Sur (Panamá) y la 2da fiesta de aniversario del Museo Colección Berardo.

BIBLIOGRAFÍA
- Periódico digital The Golden Scope             
- Revista Gencept Addicted to desing

ESTUDIO Y ANÁLISIS DE LA ZAPATERÍA TRECE MARMOTAS

La zapatería TRECE MARMOTAS se encuentra ubicada en la calle García Morato nº 6 de Logroño, La Rioja.

Toda la fachada tiene una geometría ortogonal.

La fachada está compuesta por un solo frontal de vidrio templado, embutido en un filo de carpintería metálica, y todo ello enmarcado con una cerámica de color gris antracita y friso de cotegrán con china molida color gris perla, en consonancia con la estética del resto de fachadas de la calle de los años 30-50.

El rótulo: es un letrero metálico negro, con una leyenda del nombre de la tienda en letras blancas. En esta fachada se encuentra también situada una caja de alarma,  dos proyectores de potente iluminación y un toldo impermeable.

El escaparate: se encuentra detrás de la luna de vidrio, se compone de un mueble expositor para el calzado y espacio en el cual se observa una decoración acorde a la estación del año, en este caso dedicada al frío y a la alta montaña.

La relación exterior–interior es directa, porque el exterior deja ver todo el interior de la tienda. Es como si toda la tienda fuese un gran escaparate.

Espacio transición:

Aunque el espacio es completamente diáfano y de acceso directo, en la entrada existe una pared de vidrio, con una serigrafía o vinilo con texto,  que sirve para separar el escaparte del acceso a la tienda.

La tienda es un poliedro rectangular, situándose en los lados de mayor longitud las estanterías de exposición del calzado. 

El espacio es completamente diáfano solamente interrumpido por dos grandes puf, de un metro de diámetro, que sirven, además de como asiento probador, para ordenar la circulación, creando espacios de gran fluidez y holgura.

Diferenciación de zonas:

A pesar que es un espacio continuo se aprecia una primera zona mas vacía que hace de recibidor; después una amplia zona intermedia , que es donde se configura el espacio para mirar, observar y probar el género; posteriormente, otra vez, una zona mas vacía, ocupada por la mesa que sirve de caja;  y al final del local, a la izquierda, dos sillones y un gran espejo, que representan las intenciones decorativas de la tienda, a la derecha y mas oculto, las cortinas de acceso al almacén y una pequeña zona de exposición de bolsos.

Materiales de revestimiento y lenguaje decorativo: Suelo es de hormigón pulido o microcemento, las paredes y el techo pintados en blanco, las vigas y la columna de hormigón visto muy poroso y con pigmentos. 

Todos estos materiales, vidrio, hormigón, pintura en crudo,  junto con una geometría angular repetitiva, conforman una estética brutalista.

A ello contribuye también el diseño y materiales empleados en el mobiliario de exposición, formado por estanterías, mesas y perchas de forja pintadas con oxidón, que tiene una terminación áspera y rugosa. Así como las baldas de dichas estanterías, de vidrio esmerilado con malla de alambre.

La tienda es un híbrido donde lo racional contrasta con la seducción introducida con el color y los tejidos.

Las paredes y techo blancos, en contraposición a los tonos terrosos de la estructura de vigas y columna de hormigón visto. 

La gran lámpara central de araña, de forja pintada en dorado, con lágrimas de cristal. Las alfombras, en caña, con una textura muy definida. 

Y sobre todo el mobiliario, con dos grandes espejos dorados (bruñidos con ágata) de estilo barroco, junto con la utilización de las tapicerías, en un buen terciopelo de algodón 100% color azul francia. 

Los dos pufs, la mesa y los dos sillones antiguos, el papel pintado de la pared de fondo, aportan belleza y elegancia y sugieren un punto de lujo exuberante.

    

ESTILO NÓRDICO

  

La principal influencia de este estilo es el diseño danés, que aparece en la década de 1930 durante el período de entreguerras. El objetivo de este diseño tenía que ver con el Funcionalismo: combinar confort, practicidad y precios accesibles. Los muebles tienen más de una función, se apilan, se arman y desarman, proveen lugar extra de almacenaje. Los espacios se aprovechan al máximo, sin sobrecargar con muebles, sino aumentando la funcionalidad de los mismos, lo cual tiene que ver también con el Racionalismo.

Las referencias del diseño danés son muchas, pero sin dudas los más importantes son cuatro. El primero es Arne Jacobsen, un arquitecto danés (1902 - 1971), que nos dejó varias modelos de sillas que se siguen usando en la actualidad.

Silla Egg, Silla Ant (1951), Silla modelo 3107 (1955) y Silla Swan. 
Esta última y la primera fueron diseños para el Hotel SAS (1958-1960), obra de Jacobsen.





El segundo referente es Verner Panton (1926 - 1998), diseñador industrial danés de tendencia futurista, uno de los más influyentes en el diseño de mobiliario de fines de siglo XX. Su silla Panton (1967), realizada en una sola pieza de plástico inyectado, es un icono de diseño que continúa hasta nuestros días.

Otro referente es Hans Wegner (1914-2007), diseñador de mobiliario danés, contribuyó en la popularidad del diseño danés de mitad del siglo pasado. Se destacan la CH 23 Chair (1951), la Wishbone Chair (1949) y la Peacock Chair (1947). 

Por último, Poul Henningsen (1894 - 1967), fue un arquitecto danés que dedicó su carrera a encontrar armonía en la iluminación, brindando una luz uniforme, sin reflejos. Sus lámparas se caracterizan por sus diseños espiralados y de círculos concéntricos. Las más populares son la PH Lamp (1925) y la Artichoke Lamp (1958).

Estos arquitectos y diseñadores tuvieron su época dorada en las décadas de 1950 y 1960, y su influencia llega hasta nuestros días. Sus diseños de líneas rectas y depuradas, otros de curvas sinuosas, persiguen la Sencillez, lo cual hizo que no pasen de moda y que se adapten en una decoración de cualquier estilo.

Llegó el momento de hablarles del estilo nórdico que conocemos en nuestros días. Sin dudas, está profundamente relacionado con el clima. Al tener pocas horas de sol en los paises nórdicos, se busca maximizar la luminosidad de los espacios, con predominancia del blanco combinado con colores claros y neutros. La madera abunda en Dinamarca, por lo que está muy presente en este estilo, siempre en tonos claros, aportando calidez y sensación de comodidad al ambiente. 

Los materiales provienen de la naturaleza: algodón, lino, madera, siempre en colores claros para darle luminosidad y amplitud al espacio. Los elementos decorativos son simples, de vidrio o cerámica, y se suele aportar una nota de color vibrante añadiendo algún elemento en rojo, verde o amarillo.

BIBLIOGRAFÍA
- Desing Studio.               
- Desing Magazine.          
- Revista Diseño de Interior.            

MONICA FÖRSTER Y SU ESTILO DE TRABAJO

Monica Förster nació en 1966 en Estocolmo.
Förster ha estudiado en la Escuela de Beckman de Diseño y Escuela Universitaria de Artes, Artesanía y Diseño en Estocolmo.
Estudia idiomas, negocios y economía en Múnich, París y Londres.

Su estilo minimalista muy nórdico, en el que sus  piezas son sobrias y delicadas plagadas de detalles, su trabajo es la sencillez de las piezas directas, que emocionan a través de las formas, o mejor dicho de su ausencia, alcanzando un refinamiento hacia el tacto y cada vez más hacia el color.

El diseño de Monica Förster es una composición de sentimientos y contradicciones que juntos crean algo nuevo, fuerte, útil y poético, se caracteriza por la conexión entre los sentidos y la forma pura, ya sea sin o con colores brillantes, como por ejemplo la mesa Breeze para Swedese, inspirado por una ráfaga de viento de verano que creó olas pequeñas en el mantel.

Vika: sillón para Bernhardt, cuya forma se inspira en la erosión de los ríos sobre el paisaje.

Esedra: puf para Poltrona Frau, que convierte un detalle mínimo del tapizado de un chester clásico de la casa italiana en su leitmotiv. 





Förster es la creadora de algunos de los objetos más reconocidos internacionalmente en el diseño sueco contemporáneo. Su obra se clasifica por un fuerte sentido de la forma pura mezclada con una curiosidad sin fin de nuevos materiales y la tecnología. Ha sido galardonada con varios premios internacionales de diseño.
Sus intereses son la moda, la ciencia pero lo que más le gustaría es que sus diseños permanecieran en el tiempo.

BIBLIOGRAFÍA
- Desing Studio.               
- Desing Magazine.          
- Revista Diseño de Interior.

RICHARD SERRA

Richard Serra, un artista capaz de transmitir calidez, belleza e intimidad con un material como el acero mediante unas dimensiones tan descomunales a través del minimalismo de sus obras, obras que en algunos casos llegan a estructurar el espacio urbano, lo cierto es que el resultado final nos sobrecoge y nos impulsa a pasear entre sus creaciones, a tocarlas, a sentirlas.

Sus primeros trabajos fueron totalmente abstractos, todavía lejos de sus grandes dimensiones posteriores, basados en el movimiento conocido como process art, en esta época, Serra se basó en cuatro principios para crear: arrojar, rajar, rodar y apilar, experimentando además con las propiedades plásticas de los  materiales 

Serra realizó para su galería unas cien esculturas arrojando plomo derretido contra una pared y contra el suelo, para que el metal se estrellara antes de solidificarse y creara así las más puras formas. 

El objetivo de sus obras es relacionar al ciudadano con su espacio creando esculturas impactantes por su tamaño y también por su sencillez, creando grandes obras caracterizadas, sobre todo, por sus formas y por su material (el acero corten), cuya composición química produce una oxidación que protege la pieza de la corrosión del exterior sin apenas perder sus propiedades. Serra, buscaba la manera de unir la obra con su ubicación en lo que se ha llamado land art, que trata de liberar a la escultura de los límites de la talla y el entorno. Creando obras como la serie Snake creada ex profeso para el Museo Guggemheim de Bilbao

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BIBLIOGRAFÍA
- Libro: Richard Serra: Escritos y entrevistas 1972-2008     
- Libro: Forjar el espacio [exposición]: La escultura forjada en el siglo XX.
- Richard Serra - Wikipedia             

EL LAND ARTEn esta entrada quiero hacer referencia a esta interesante tendencia del arte contemporáneo, que tiene como finalidad producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado. Este arte intenta reflejar la relación entre el hombre y la tierra.

El principio fundamental del Land Art es alterar (con un sentido artístico) el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. Siendo el espacio natural el soporte de la obra, en el que se utilizan  los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). 

Sus referentes se encuentran en la Arquitectura antigua, las tumbas egipcias, los montículos funerarios precolombinos o monumentos como stonehenge son las fuentes de inspiración de esta corriente. 

Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste estadounidense a finales de los años sesenta. 

Este arte se aleja de galerías y museos, son obras que se exponen al exterior, el público lo conoce a través de la fotografía o el film y el arte se convierte en naturaleza al tomar un carácter efímero.

Esta corriente es también un híbrido entre géneros, no es escultura, no es pintura ni arquitectura son todas ellas, es una invasión y una homogeneización de los territorios. Supuso la rebeldía ante las Bellas Artes que defienden la jerarquía de sus modalidades, pureza de material o la primacía de la estética.

En muchos casos, sus obras son de carácter monumental, realizadas con la ayuda de máquinas industriales y para tener una visión global es necesario contemplarlas desde el cielo.

BIBLIOGRAFÍA
- Libro Land Art, / Michael  Laitach, Uta Grosenick       
- Libro Destination Art, / Amy Dempsey
- http:/revistamito.com/land-art-la-naturaleza-como-lienzo-del-paisaje     


       

UN COCHE INSPIRADO EN LA MODERNIDAD

   La estética de este Renault se inspira en las principales ideas del modernismo,

 corriente de arquitectura del que Le Corbusier fue el principal creador

En este 2015 se cumplen 50 años de la muerte de Le Corbusier, unos de los arquitectos más influyentes del siglo XX, tanto a nivel de arquitectura como de diseño. Con este motivo, en Francia (en la Villa Savoye de Poissy, obra del arquitecto) se organiza la exposición: "Coches para vivirlos: el automóvil y el modernismo en los siglos XX y XXI".

En Renault, el equipo de diseño ha querido hacerle un homenaje con un concept car de cupé deportivo inspirado en las características de las obras de Le Corbusier, icono del modernismo.

El Coupé Corbusier Concept tene un diseño que parte de los coches de los años 20 y 30, pero introduciendo elementos actuales y modernos para dotarlo de una imagen futurista, tal y como sucede con el Art Decó, que utilizaba también una imagen futurista en sus diseños.

El vehículo intenta transmitir la simplicidad de líneas y estructura características de las creaciones del afamado diseñador a través de unas formas sencillas y muy marcadas. Renault no ha ofrecido datos específicos del coche, por lo que se ignoran sus detalles técnicos y sólo se pude hacer referencia a todo aquello que es visible al espectador.

El techo está construido totalmente en cristal (incluidos los montantes) para dejar ver la estructura interior del vehículo. 
El coche es un vehículo de cuatro plazas de capó larguísimo. Las puertas abren de delante hacia atrás (de tipo suicida como era habitual en la época modernista) y permiten acceder a un habitáculo donde la simplicidad es la norma principal.
En el morro sorprende la parrilla ovalada mientras que la trasera está presidida por una tira de LED que asume las diferentes funciones de iluminación y freno.

BIBLIOGRAFÍA
- Periódico digital La Vanguardia               
- Periódico digital La Razón